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Rolling Stones lanzan ?Live At The El Mocambo?, la evidencia de sus shows secretos
? ERIC CLAPTON: ?NADA MÁS QUE EL BLUES?, SU NUEVA PELÍCULA Y DISCO EN DIRECTO
De discos poco comunes a casos judiciales: Jimi Hendrix sigue siendo importante en 2022
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Contra todo pronóstico, la banda Rolling Stones produjo dos noches de música emocionante de la que todavía hablan en Toronto.

Foto: Helmut Newton

Un evento legendario en los 60 años de historia de los Rolling Stones se lanzó en su totalidad el viernes 13 de mayo, a través de Universal Music.

(Lea también: Enrique ?Kike? Riascos, el rey del piano de la selva)

Se trata de ?Live At The El Mocambo?, la primera aparición oficial de los dos famosos conciertos secretos del grupo en el club de Toronto con capacidad para 300 personas en marzo de 1977.

El álbum está disponible en CD doble, vinilo negro de 4 LP, vinilo de neón de 4 LP y digitalmente. Presenta el set completo de los Stones del show del 5 de marzo de 1977, además de tres temas extra del concierto del 4 de marzo, recién mezclados por Bob Clearmountain.

(Además: Billboard Music Awards: así le fue a Karol G, J Balvin y Kali Uchis)

Solo cuatro de las actuaciones llegaron al álbum ?Love You Live? que siguió en septiembre de 1977, que estuvo dominado por pistas capturadas en las giras de la banda de 1975 y 1976, y nunca se había escuchado el conjunto completo.

Mientras los Rolling Stones se preparan para las celebraciones de su 60 aniversario, ?Live At The El Mocambo? ya está disponible en diversas plataformas.

(Le recomendamos: Juliana y su ?Dos dos dos?: un volcán de sonoridades)

Cuando los Stones subieron al escenario de ?El Mo?, como se le conoce popularmente, un elemento fijo de la escena musical de Toronto desde la década de 1940, el punk y la música disco aparecían a la vista, supuestamente listos para despedir a una banda que ya había estado en la cima de su juego durante 15 años. Durante dos noches, en un espacio íntimo en una de sus ciudades favoritas, hicieron que ese pronóstico pareciera poco lógico.

Los conciertos se hicieron realidad después de que El Mocambo fuera identificado como el hogar potencial para un show secreto. Se organizó un concurso de radio en el que el premio eran entradas para ver a los héroes del rock canadiense April Wine, apoyados por una banda desconocida llamada The Cockroaches. Adivinen quiénes resultaron ser…

(Le puede interesar: Segunda fecha de los Guns N? Roses en Bogotá: ¿Cuánto valen las boletas?)

En las noches, naturalmente, April Wine era el acto de apertura, y así fue como los Stones hicieron retroceder los años a la encarnación estimulante del club en sus inicios. Contra todo pronóstico, la banda produjo dos noches de música emocionante de la que todavía hablan en Toronto y en la leyenda de los Rolling Stones, hasta la actualidad.

Fue una lista de canciones para todas las temporadas, desde ?Mannish Boy? de Muddy Waters y ?Crackin? Up? de Bo Diddley hasta temas básicos como ?Let?s Spend The Night Together?, ?It?s Only Rock ?N? Roll? y ?Tumbling Dice?, y de vuelta al blues con ?Worried Life Blues? de Big Maceo y ?Little Red Rooster? de Willie Dixon.

(Además: Bunbury cancela último tour y adelanta su adiós: ?No puedo hacer más conciertos?)

Hubo el debut en vivo de ?Worried About You?, que no se escuchó en estudio hasta Tattoo You de 1981, y más momentos destacados de ?Honky Tonk Women? a ?Hot Stuff?. Cuarenta y cinco años después, este es un viaje de regreso a la intensidad del Crawdaddy Club en los primeros días de los Stones, revisitado por la mejor banda de rock ?n? roll del mundo.

LISTA DE PISTAS

1. Honky Tonk Women (En vivo en El Mocambo 1977)

2. All Down The Line (En vivo en El Mocambo 1977)

3. Hand Of Fate (En vivo en El Mocambo 1977)

4. Ruta 66 (En vivo en El Mocambo 1977)

5. Fool To Cry (En vivo en El Mocambo 1977)

6. Mamá Loca (En vivo en El Mocambo 1977)

7. Mannish Boy (En vivo en El Mocambo 1977)

8. Crackin’ Up (En vivo en El Mocambo 1977)

9. Dance Little Sister (En vivo en El Mocambo 1977)

10. Around And Around (En vivo en El Mocambo 1977)

11. Tumbling Dice (En vivo en El Mocambo 1977)

12. Hot Stuff (En vivo en El Mocambo 1977)

13. Star Star (En vivo en El Mocambo 1977)

14. Pasemos la noche juntos (En vivo en El Mocambo 1977)

15. Worried Life Blues (En vivo en El Mocambo 1977)

16. Gallito Rojo (En vivo en El Mocambo 1977)

17. Es Solo Rock ‘N’ Roll (Pero Me Gusta) (En Vivo en El Mocambo 1977)

18. Rip This Joint (En vivo en El Mocambo 1977)

19. Brown Sugar (En vivo en El Mocambo 1977)

20. Jumpin’ Jack Flash (En vivo en El Mocambo 1977)

21. Melodía (En vivo en El Mocambo 1977)

22. Lujo (En vivo en El Mocambo 1977)

23. Preocupado por ti (En vivo en El Mocambo 1977)

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Contra todo pronóstico, la banda Rolling Stones produjo dos noches de música emocionante de la que todavía hablan en Toronto.

Foto: Helmut Newton

Un evento legendario en los 60 años de historia de los Rolling Stones se lanzó en su totalidad el viernes 13 de mayo, a través de Universal Music.

(Lea también: Enrique ?Kike? Riascos, el rey del piano de la selva)

Se trata de ?Live At The El Mocambo?, la primera aparición oficial de los dos famosos conciertos secretos del grupo en el club de Toronto con capacidad para 300 personas en marzo de 1977.

El álbum está disponible en CD doble, vinilo negro de 4 LP, vinilo de neón de 4 LP y digitalmente. Presenta el set completo de los Stones del show del 5 de marzo de 1977, además de tres temas extra del concierto del 4 de marzo, recién mezclados por Bob Clearmountain.

(Además: Billboard Music Awards: así le fue a Karol G, J Balvin y Kali Uchis)

Solo cuatro de las actuaciones llegaron al álbum ?Love You Live? que siguió en septiembre de 1977, que estuvo dominado por pistas capturadas en las giras de la banda de 1975 y 1976, y nunca se había escuchado el conjunto completo.

Mientras los Rolling Stones se preparan para las celebraciones de su 60 aniversario, ?Live At The El Mocambo? ya está disponible en diversas plataformas.

(Le recomendamos: Juliana y su ?Dos dos dos?: un volcán de sonoridades)

Cuando los Stones subieron al escenario de ?El Mo?, como se le conoce popularmente, un elemento fijo de la escena musical de Toronto desde la década de 1940, el punk y la música disco aparecían a la vista, supuestamente listos para despedir a una banda que ya había estado en la cima de su juego durante 15 años. Durante dos noches, en un espacio íntimo en una de sus ciudades favoritas, hicieron que ese pronóstico pareciera poco lógico.

Los conciertos se hicieron realidad después de que El Mocambo fuera identificado como el hogar potencial para un show secreto. Se organizó un concurso de radio en el que el premio eran entradas para ver a los héroes del rock canadiense April Wine, apoyados por una banda desconocida llamada The Cockroaches. Adivinen quiénes resultaron ser…

(Le puede interesar: Segunda fecha de los Guns N? Roses en Bogotá: ¿Cuánto valen las boletas?)

En las noches, naturalmente, April Wine era el acto de apertura, y así fue como los Stones hicieron retroceder los años a la encarnación estimulante del club en sus inicios. Contra todo pronóstico, la banda produjo dos noches de música emocionante de la que todavía hablan en Toronto y en la leyenda de los Rolling Stones, hasta la actualidad.

Fue una lista de canciones para todas las temporadas, desde ?Mannish Boy? de Muddy Waters y ?Crackin? Up? de Bo Diddley hasta temas básicos como ?Let?s Spend The Night Together?, ?It?s Only Rock ?N? Roll? y ?Tumbling Dice?, y de vuelta al blues con ?Worried Life Blues? de Big Maceo y ?Little Red Rooster? de Willie Dixon.

(Además: Bunbury cancela último tour y adelanta su adiós: ?No puedo hacer más conciertos?)

Hubo el debut en vivo de ?Worried About You?, que no se escuchó en estudio hasta Tattoo You de 1981, y más momentos destacados de ?Honky Tonk Women? a ?Hot Stuff?. Cuarenta y cinco años después, este es un viaje de regreso a la intensidad del Crawdaddy Club en los primeros días de los Stones, revisitado por la mejor banda de rock ?n? roll del mundo.

LISTA DE PISTAS

1. Honky Tonk Women (En vivo en El Mocambo 1977)

2. All Down The Line (En vivo en El Mocambo 1977)

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“Nada más que el blues” de Eric Clapton, una película de concierto emitida en 1995 en PBS en los EE.UU. UU.se ha actualizado a 4K para su tan esperado lanzamiento oficial el 24 de junio en varios formatos.

Además de la película, Registros de repetición lanzará una nueva banda sonora con más de una hora de actuaciones en vivo inéditas grabadas en el Fillmore de San Francisco en 1994 durante la gira del legendario guitarrista de apoyo al disco ?Desde la Cuna?, su multi-ganador de premios grammy y álbum de blues de platino.

Escrito y producido por Vespa Weintraub y con la producción ejecutiva de Martin Scorsese, el documental incluye una entrevista en profundidad con Clapton realizada por el famoso cineasta. En la misma, Clapton habla sobre su amor por el blues y el profundo impacto que tuvieron en su música músicos como aguas turbias y BB Rey.

Otros de esos artistas que tanto le influyeron (Robert Johnson, Howlin’ Wolf, Buddy Guy, T-Bone Walker) aparecen en la película a través de actuaciones, entrevistas y fotografías antiguas.

En el corazón tanto de la película como de los formatos de audio se encuentran las interpretaciones de los estándares de blues de Clapton y temas más oscuros. El CD lleva 17 canciones; y el DVD y el Blu-ray 20 temas cada uno.

ERIC CLAPTON: "NADA MÁS QUE EL BLUES"SU NUEVA PELÍCULA Y DISCO EN DIRECTO

Según el comunicado oficial: ?Las presentaciones en directo inéditas de ?Nothing But the Blues? sirven como una complemento vital del LP de estudio ?From the Cradle?. Si bien ambos comparten canciones (?Motherless Child?, ?Standing ?Round Crying? y ?I?m Tore Down?) las actuaciones son completamente diferentes?.

?La próxima banda sonora también incluye canciones que no aparecieron en ?From the Cradle?, como ?Blues All Day Long? de Jimmy Rogers y ?Malted Milk? de Robert Johnson, así como los estándares ?Every Day I Have the Blues? y ?Forty- Four??.

Los shows se filmaron y grabaron dos noches en el Fillmore (8 y 9 de noviembre de 1994) y se han seleccionado los aspectos más destacados de los dos espectáculos para este lanzamiento. El coproductor de toda la vida de Clapton, Simón Climie, ha remezclado el audio de esas actuaciones de las grabaciones multipista originales.

Una Edición Súper Deluxe incluye el documental en Blu-ray, la banda sonora tanto en 2 LPs como en CD, y un CD adicional con cuatro bonus tracks y un libro de tapa dura exclusivo con recuerdos, que incluye una litografía numerada, un póster de 12 × 24, un juego de cuerdas de guitarra Clapton, púas de guitarra personalizadas y un pañuelo exclusivo.

Listado de canciones de ?Nothing But the Blues?:

CD y 2 LP:
1. ?Blues todo el día?
2. ?De pie llorando?
3. ?Cuarenta y cuatro?
4. ?A mí también me duele?
5. ?Temprano en la mañana?
6. ?Cinco largos años?
7. ?Encrucijada?
8. ?Leche malteada?
9. ?Niño sin madre?
10. ?Cuánto tiempo?
11. ?Reconsidera, bebé?
12. ?Oración de los pecadores?
13. ?Todos los días tengo tristeza?
14. ?Algún día después de un tiempo (lo lamentarás)?
15. ?¿Alguna vez has amado a una mujer??
16. “Estoy derribado”
17. ?Melancolía quejumbrosa?
18. ?County Jail Blues?* (exclusivo en vinilo de 2 LP)

DVD, Blu-Ray, Edición Super Deluxe*
1. ?Blues todo el día?
2. ?Standin’ Round Llorando?
3. ?Cuarenta y cuatro?
4. ?A mí también me duele?
5. ?Temprano en la mañana?
6. ?Cinco largos años?
7. ?Encrucijada?
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9. ?Niño sin madre?
10. ?Cuánto dura la tristeza?
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13. ?Todos los días tengo tristeza?
14. ?Sierra transversal?
15. ?Algún día después de un tiempo?
16. ?¿Alguna vez has amado a una mujer??
17. “Estoy derribado”
18. “Gimiendo el blues”
19. “T’Ain’t Nobody’s Bizness”
20. “Driftin'” (pista adicional)

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Escrito y producido por Vespa Weintraub y con la producción ejecutiva de Martin Scorsese, el documental incluye una entrevista en profundidad con Clapton realizada por el famoso cineasta. En la misma, Clapton habla sobre su amor por el blues y el profundo impacto que tuvieron en su música músicos como aguas turbias y BB Rey.

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ERIC CLAPTON: "NADA MÁS QUE EL BLUES"SU NUEVA PELÍCULA Y DISCO EN DIRECTO

Según el comunicado oficial: ?Las presentaciones en directo inéditas de ?Nothing But the Blues? sirven como una complemento vital del LP de estudio ?From the Cradle?. Si bien ambos comparten canciones (?Motherless Child?, ?Standing ?Round Crying? y ?I?m Tore Down?) las actuaciones son completamente diferentes?.

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Si no hubiera fallecido aquel fatídico día en Londres en 1970, Jimi Hendrix estaría esperando su 80º cumpleaños en 2022. Es casi imposible pensar lo que habría dado al mundo si hubiera vivido y hubiera podido grabar música a lo largo de todas las décadas. Después de todo, su producción en los pocos años que Hendrix estuvo activo como músico fue extraordinaria. Es un legado que todavía está siendo descubierto por muchos jóvenes de hoy en día, para quienes la era Hendrix sólo es recordada por sus padres y abuelos.

No obstante, la gente sigue descubriendo más cosas nuevas sobre Hendrix, incluso más de 50 años después de su muerte. Un ejemplo es el descubrimiento de una rara grabación ?pirata? desenterrada recientemente en Inglaterra. Las cuatro pistas (ninguna de ellas con nombre) fueron descubiertas por la familia de John Peel, que mostró el hallazgo en un documental de la BBC. Peel, fallecido en 2004, fue un DJ y productor que presentó muchos programas musicales para la BBC desde la década de 1960 hasta su muerte.

Un rareza que mostró una época de agitaciónn sociales

El vinilo de cuatro pistas fue un descubrimiento fascinante. La grabación estaba mezclada con panfletos del movimiento de las Panteras Negras, y ofrecía una visión de la época del radicalismo y la agitación social. Se supone que la grabación de los temas se realizó un mes después de que Hendrix tocara su legendario set en Woodstock en 1969.

Sin duda, Hendrix sigue siendo una marca comercializable hoy en día. Su imagen aparece en camisetas y obras de arte, su música aparece en muchas películas, e incluso se pueden encontrar tragaperras online oficiales de Jimi Hendrix, con NetEnt creando un juego de casino que utiliza su música e imágenes. Todo ello se combina para crear una industria rentable de productos y derechos de imagen. Es más, su música sigue vendiendo, y mucho. Según un estudio, las canciones de Hendrix se reprodujeron alrededor de tres mil millones de veces en las plataformas de streaming el año pasado.

Se avecina una batalla judicial por los derechos de autor

No se puede negar que Hendrix es tanto una marca como una música que genera mucho dinero, y algunos creen que tienen derecho a ello. Esa es la base de un nuevo caso judicial que se ha anunciado esta semana, en el que las familias de los antiguos miembros de la banda Jimi Hendrix Experience han demandado a Sony por parte de los derechos de autor que obtiene del catálogo de Hendrix. El caso judicial afecta a los hijos del bajista Noel Redding y del baterista Mitch Mitchell, quienes tocaron con Hendrix en la década de 1960, cuando publicó sus álbumes más populares.

El hecho de que Redding y Mitchell tocaran en los álbumes no se pone en duda, pero Sony y el patrimonio de Hendrix sostienen que los músicos cedieron sus derechos en la década de 1970. El argumento clave, sin embargo, es que el streaming y otras fuentes de ingresos musicales no estaban disponibles entonces. ¿Es posible que veamos más casos como este en los que los músicos reclaman derechos legales sobre nuevos medios de música? No obstante, Hendrix vuelve a ser noticia esta semana, aunque no todos los motivos sean positivos.

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No obstante, la gente sigue descubriendo más cosas nuevas sobre Hendrix, incluso más de 50 años después de su muerte. Un ejemplo es el descubrimiento de una rara grabación ?pirata? desenterrada recientemente en Inglaterra. Las cuatro pistas (ninguna de ellas con nombre) fueron descubiertas por la familia de John Peel, que mostró el hallazgo en un documental de la BBC. Peel, fallecido en 2004, fue un DJ y productor que presentó muchos programas musicales para la BBC desde la década de 1960 hasta su muerte.

Un rareza que mostró una época de agitaciónn sociales

El vinilo de cuatro pistas fue un descubrimiento fascinante. La grabación estaba mezclada con panfletos del movimiento de las Panteras Negras, y ofrecía una visión de la época del radicalismo y la agitación social. Se supone que la grabación de los temas se realizó un mes después de que Hendrix tocara su legendario set en Woodstock en 1969.

Sin duda, Hendrix sigue siendo una marca comercializable hoy en día. Su imagen aparece en camisetas y obras de arte, su música aparece en muchas películas, e incluso se pueden encontrar tragaperras online oficiales de Jimi Hendrix, con NetEnt creando un juego de casino que utiliza su música e imágenes. Todo ello se combina para crear una industria rentable de productos y derechos de imagen. Es más, su música sigue vendiendo, y mucho. Según un estudio, las canciones de Hendrix se reprodujeron alrededor de tres mil millones de veces en las plataformas de streaming el año pasado.

Se avecina una batalla judicial por los derechos de autor

No se puede negar que Hendrix es tanto una marca como una música que genera mucho dinero, y algunos creen que tienen derecho a ello. Esa es la base de un nuevo caso judicial que se ha anunciado esta semana, en el que las familias de los antiguos miembros de la banda Jimi Hendrix Experience han demandado a Sony por parte de los derechos de autor que obtiene del catálogo de Hendrix. El caso judicial afecta a los hijos del bajista Noel Redding y del baterista Mitch Mitchell, quienes tocaron con Hendrix en la década de 1960, cuando publicó sus álbumes más populares.

El hecho de que Redding y Mitchell tocaran en los álbumes no se pone en duda, pero Sony y el patrimonio de Hendrix sostienen que los músicos cedieron sus derechos en la década de 1970. El argumento clave, sin embargo, es que el streaming y otras fuentes de ingresos musicales no estaban disponibles entonces. ¿Es posible que veamos más casos como este en los que los músicos reclaman derechos legales sobre nuevos medios de música? No obstante, Hendrix vuelve a ser noticia esta semana, aunque no todos los motivos sean positivos.

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Aunque seas considerado como uno de los guitarristas más virtuosos del planeta; eso no le resta importancia ni inspiración a los que vinieron antes que tú.

Eso es algo que sabe muy bien Jimmy Page, el icónico guitarrista de Led Zeppelin quien, a lo largo de sus más de 50 años de trayectoria; aún revela los nombres de esos otros músicos que lo motivaron a tomar una guitarra y hacer historia.

elvis presley

Aunque el rey del rock & roll era más conocido por sus capacidades vocales que por su agilidad con la guitarra, eso no impidió que, para un joven Jimmy Page; se convirtiera en todo un modelo a seguir.

?Cuando Elvis creció, debió de ser bastante duro, pero los blancos y los negros recogían el algodón codo a codo y la música autóctona local ponía la banda sonora a este duro entorno?? dijo Página en una ocasión. ?Así que hizo falta el genio visionario de Elvis para mezclar esas fuentes musicales y cambiar el mundo?.

Vía Far Out Magazine.

johnny burnette

Siguiendo en la línea de la música que alimentó el alma en tiempos de guerra; Página eligió al guitarrista de rockabilly, johnny burnettecomo otra de sus máximas inspiraciones.

Le animaba la presencia del blues-rock, lo que podría explicar por qué el músico número dos se ganó su posición en su lista de favoritos personales.

?Eras impulsado a hacer lo mejor que podías?? recordaba Página, ?y está muy bien. Uno de los discos que te paraba en seco era el de Johnny Burnette y el trío de rock and rollde 1956?.

Vía Far Out Magazine.

gen vicente

Tal parece ser que el blues y el rockabilly ocupan un lugar especial en el corazón de Jimmy Pageya que el siguiente nombre en la lista tamién es considerado un pionero del género.

Estamos hablando de Vicente Eugene Craddockmejor conocido como gen vicente; cuyo éxito de la década de los 50, ?Be-Bop-a-Lula?, se considera un importante ejemplo temprano de rockabilly.

?A medida que llegaba cada lanzamiento, con el material de gen vicenteera realmente un reto incluso intentar tocarlo. Pero una vez que tenías una guitarra de cuerpo sólido, en lugar de un cuerpo de violonchelo, se hacía más factible. Sin embargo, te animabas a hacerlo lo mejor que podías, y estaba muy bien?.

Vía Far Out Magazine.

aguas turbias

Un nombre que definitivamente no podía faltar en la lista es el Aguas Fangosas. Considerado como una de las influencias más evidentes del cuarteto británico (ver ?You Shook Me?); el músico y compositor constituyó una figura importante en la escena del blues de la posguerra, y a menudo se le cita como el ?padre del blues moderno de Chicago?.

?En cuanto al blues, me cautivó escuchar el blues de Chicago. Cuando los piedras empezaron, hacían muy buenas interpretaciones de canciones de aguas turbias y de todo ese catálogo de Chess?.

Vía Far Out Magazine.

james elmore

Hablando de los Rocas rodantesfue gracias a ellos que Jimmy Page se introdujo en el trabajo de otro fantástico bluesman norteamericano: james elmore.

Fue guitarrista de blues, cantante, compositor y director de banda. Se le conocía como el ?Rey de la guitarra deslizante? y destacaba por su uso de la amplificación a gran volumen y su conmovedora voz.

Por su contribución a la música, Jaime fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992.

?No conocía a mick y keith tan bien como a Jeff Beck. Pero había visto a Brian en el Ealing Jazz Club. Le vi tocar una guitarra de cuello de botella. Estaba luchando con el material de james elmore. De repente, hizo clic. Estaba afinado. Lo estaba haciendo. Fue genial?.

Vía Far Out Magazine.

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Aunque seas considerado como uno de los guitarristas más virtuosos del planeta; eso no le resta importancia ni inspiración a los que vinieron antes que tú.

Eso es algo que sabe muy bien Jimmy Page, el icónico guitarrista de Led Zeppelin quien, a lo largo de sus más de 50 años de trayectoria; aún revela los nombres de esos otros músicos que lo motivaron a tomar una guitarra y hacer historia.

elvis presley

Aunque el rey del rock & roll era más conocido por sus capacidades vocales que por su agilidad con la guitarra, eso no impidió que, para un joven Jimmy Page; se convirtiera en todo un modelo a seguir.

?Cuando Elvis creció, debió de ser bastante duro, pero los blancos y los negros recogían el algodón codo a codo y la música autóctona local ponía la banda sonora a este duro entorno?? dijo Página en una ocasión. ?Así que hizo falta el genio visionario de Elvis para mezclar esas fuentes musicales y cambiar el mundo?.

Vía Far Out Magazine.

johnny burnette

Siguiendo en la línea de la música que alimentó el alma en tiempos de guerra; Página eligió al guitarrista de rockabilly, johnny burnettecomo otra de sus máximas inspiraciones.

Le animaba la presencia del blues-rock, lo que podría explicar por qué el músico número dos se ganó su posición en su lista de favoritos personales.

?Eras impulsado a hacer lo mejor que podías?? recordaba Página, ?y está muy bien. Uno de los discos que te paraba en seco era el de Johnny Burnette y el trío de rock and rollde 1956?.

Vía Far Out Magazine.

gen vicente

Tal parece ser que el blues y el rockabilly ocupan un lugar especial en el corazón de Jimmy Pageya que el siguiente nombre en la lista tamién es considerado un pionero del género.

Estamos hablando de Vicente Eugene Craddockmejor conocido como gen vicente; cuyo éxito de la década de los 50, ?Be-Bop-a-Lula?, se considera un importante ejemplo temprano de rockabilly.

?A medida que llegaba cada lanzamiento, con el material de gen vicenteera realmente un reto incluso intentar tocarlo. Pero una vez que tenías una guitarra de cuerpo sólido, en lugar de un cuerpo de violonchelo, se hacía más factible. Sin embargo, te animabas a hacerlo lo mejor que podías, y estaba muy bien?.

Vía Far Out Magazine.

aguas turbias

Un nombre que definitivamente no podía faltar en la lista es el Aguas Fangosas. Considerado como una de las influencias más evidentes del cuarteto británico (ver ?You Shook Me?); el músico y compositor constituyó una figura importante en la escena del blues de la posguerra, y a menudo se le cita como el ?padre del blues moderno de Chicago?.

?En cuanto al blues, me cautivó escuchar el blues de Chicago. Cuando los piedras empezaron, hacían muy buenas interpretaciones de canciones de aguas turbias y de todo ese catálogo de Chess?.

Vía Far Out Magazine.

james elmore

Hablando de los Rocas rodantesfue gracias a ellos que Jimmy Page se introdujo en el trabajo de otro fantástico bluesman norteamericano: james elmore.

Fue guitarrista de blues, cantante, compositor y director de banda. Se le conocía como el ?Rey de la guitarra deslizante? y destacaba por su uso de la amplificación a gran volumen y su conmovedora voz.

Por su contribución a la música, Jaime fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992.

?No conocía a mick y keith tan bien como a Jeff Beck. Pero había visto a Brian en el Ealing Jazz Club. Le vi tocar una guitarra de cuello de botella. Estaba luchando con el material de james elmore. De repente, hizo clic. Estaba afinado. Lo estaba haciendo. Fue genial?.

Vía Far Out Magazine.

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¿Sabías que ente el 10 y 15 % de la población mundial es zurda? Aplicada esta estadística al mundo musical, son muchos los guitarristas famosos que son zurdos. Bob Dylan, Kurt Cobain, Paul McCartney? son solo algunos nombres de los mejores guitarristas zurdos famosos. ¡Continúa leyendo para descubrirlos todos!

9 mejores guitarristas zurdos famosos

Actualmente, si eres zurdo no encontrarás dificultad alguna para tocar la guitarra, puesto que hay cantidad de modelos en venda. Pero años atrás los guitarristas zurdos famosos no tenían esta opción. Vivían en un mundo acomodado e ideado para los diestros. Por lo que solo les quedaba aprender a tocar con la mano derecha o bien girar las cuerdas de la guitarra. El primero de los cuales en hacerlo fue Jimi Hendrix.

Pero en ningún caso fue un impedimento para ellos. Porque con gran talento musical, estos 9 guitarristas consiguieron la fama y el éxito internacional. ¡Sigue leyendo porque seguro que conoces sus nombres!

Kurt Cobain

Kurt Cobain fue el líder del nirvanacompositor, cantante y guitarrista que se ha convertido en todo un icono musical. Exacto, se trata de la exitosa banda de rock americano alternativo Nirvana. Creada a finales de la década de los 80 y haciendo historia con los hits que lanzaron en los 90.

Empezó a tocar la guitarra a los 14 años para refugiarse de sus problemas familiares cuando su tío le regaló una. Con lo que intentó formar un grupo con amigos para tocar canciones de led zepelín y CA / CC. Grupos que fueron determinantes en su vida profesional musical. Para más tarde conocer al bajista Krist Novoselic y los futuros miembros de lo que sería la mejor banda de la historia musical subterráneo.

Su forma de tocar impresiona a todo oyente, puesto que él buscaba la sorpresa anteponiéndola a la técnica. Además, él el era ambidiestroescribía y tocaba la batería con su mano derecha, mientras tocaba la guitarra con su mano zurda.  Cosa que le ayudó a encontrar un sonido personal en una década en la que se seguía una brillante técnica para tocar la guitarra sin dejar espacio para la creatividad.

Pablo McCartney

Otro guitarrista que no puede a faltar a la lista y ha hecho historia es el británico Paul McCartney, el el guitarrista de los beatles. Quien, junto con John Lenon, compuso la mayoría de las canciones de una de las mejores bandas británicas de rock y pop.

Su padre era trompetista y pianista en una banda de jazz en la década de los 20. Por lo que ya desde pequeño mostró interés por la música, sobre todo el jazz y el esquifecanciones americanas tocadas con instrumentos primitivos. El primer instrumento que le regaló su padre fue una trompeta. Que sustituyó más adelante por la guitarra en una época en la que surgía rock and roll. Además de tocar la guitarra y la trompeta, también aprendió a tocar el piano y el órgano.

Jimi Hendrix

Considerado como uno de los mejores guitarristas de la historiaJimi Hendrix fue uno de los mejores guitarristas zurdos famosos. Fue un exitoso guitarrista estadounidense de rock que se convirtió en todo un referente del rock aunque su trayectoria profesional durase apenas 4 años en la década de los 60.

Empezó a tocar la guitarra a los 12 años de manera autodidacta. Hasta que más tarde se unió con grupos de alma y ritmo y bluesuno entre los cuales estaba su mujer Tina Turner. Consiguiendo el éxito desbordante en Reino Unido con su grupo The Jimi Hendrix Experience. Lanzando hits como neblina púrpura (1970) años El viento llora María (1967). Él fue el primero en quitar y revertir las cuerdas a una guitarra diestra para tocarla con la mano izquierda.

Gustavo Cerati

En Argentina nació toda una estrella del rock y el pop que se convirtió en uno de los mejores guitarristas zurdos famosos. Estamos hablando del líder de la exitosa banda argentina de los 80 Estéreo de soda. Una banda influenciada enormemente por The Beatles y The Police considerada precursora de la música electrónica. Habiendo lanzado canciones que ahora son himnos del rock argentino como De música ligera (1990) año Canción animal (1990). Aunque una vez disuelto el grupo, él continuo como solista su carrera musical.

Excelente guitarrista con un dominio de la técnicaCerati podía tocar sonidos de jazz como de rock. Porque desde los 9 años que se sintió atraído por este instrumento que le permitía expresar sus sentimientos. Por lo que se vio obligado a aprender a tocar con la mano derecha siendo zurdo.

dick dale

El pionero y rey del surf rock también fue un guitarrista que tocaba con las cuerdas del revés. Fue un guitarrista estadounidense conocido ampliamente por su éxito Misirloucanción de la banda sonora de ficción de la pulpa. Que en los años de la década 50-60 creó este estilo de música, llegando a influenciar a Jimi Hendrix y los Beach Boys.

Siendo un adolescente, su familia se mudó a California. donde desarrolló una pasión por el surf y un interés musical. De ese modo, con su música, Dale intenta evocar los sonidos del océano con volúmenes altos. Mediante un amplificador, que Leo Fender le dio, que pudiera soportar esta potencia. Llegando a aparecer amplificadores de 100 vatios que fueron aprovechados para el rock y el heavy metal.

Bob Dylan

Bob Dylan es uno de los cantantes, compositores y músicos estadounidenses más influyentes del s. XX. Que, aunque fuera zurdo, continuaba tocando con la mano derecha un estilo musical país, rock y gente. Canciones como Como una piedra rodante (1965), Soplando en el viento (1963) años Huracán (1976) han pasado a la historia y han cautivado a todos sus oyentes. Además, también fue el primer músico en obtener el premio nobel de literatura en 2016.

Desde bien pequeño demostró un interés enorme por la música, ya fuera tocando el piano y la guitarra como escuchando blues, country y rock and roll. Y empezó a tocar canciones propias mezcladas con las de sus ídolos, con su guitarra y su armónica en bares de Minessota. Dándose a conocer con su nombre artístico Bob Dylan, puesto que su nombre real era Robert Zimmerman.

Tommy Iommi

Considerado como uno de los mejores guitarristas zurdos famosos de la historia del rock, Tommy Iommi fue el fundador de Black Sabbath. Una banda británica pionera del heavy metal de los años 70 que se popularizó enormemente antes de la llegada de The Beatles.

Él era zurdo y tocó su guitarra con la mano izquierda. Pero sufrió un terrible accidente en una fábrica y perdió la primera falange del dedo anular y corazón de la mano derecha. Con el tiempo, decidió usar unas prótesis de goma e hizo alguna variación en el tono de su guitarra para así poder continuar con su carrera musical. Cosa que otorgó a sus canciones un sonido grueso característico del grupo y del heavy metal.

alberto rey

Albert Nelson, más conocido con el nombre Albert King, fue uno de los guitarrista zurdos famosos del blues estadounidense de la década de los 50. Es una figura muy influyente y determinante en la historia del rock, razón por la cual es uno de los artistas que se incluyen en el salón de la fama del Rock and Roll en Ohio.

Ya desde pequeño impresionó a un amplio público con su voz suave y su extraordinario manejo con la guitarra autodidacta a pesar de ser zurdo. Por lo que tocaba la guitarra ordinaria girada y estirando las cuerdas hacia abajo en vez de hacia arriba.

Gary Moore

Guitarrista líder de bandas como Skid Row, Colosseum II y Thin Lizzy, Gary Moore fue un famoso músico británico de roca azul y piedra dura. Aunque fue verdaderamente el blues el estilo musical que le cautivó e impresionó. Y llegó a ser uno de los primeros músicos en fusionar el rock con la música celta. Por lo que su música se podría describir como enérgico, explosivo e intenso. Como se muestra en Sobre las colinas y muy lejos (1973).

Es uno de los pocos guitarristas zurdos famosos que aprendió a tocar con su mano derecha la guitarra. Dando lugar su estilo a conocidos riffs que han marcado la historia musical. ¡Escucha sus canciones si todavía no has tenido la oportunidad!

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¿Sabías que ente el 10 y 15 % de la población mundial es zurda? Aplicada esta estadística al mundo musical, son muchos los guitarristas famosos que son zurdos. Bob Dylan, Kurt Cobain, Paul McCartney? son solo algunos nombres de los mejores guitarristas zurdos famosos. ¡Continúa leyendo para descubrirlos todos!

9 mejores guitarristas zurdos famosos

Actualmente, si eres zurdo no encontrarás dificultad alguna para tocar la guitarra, puesto que hay cantidad de modelos en venda. Pero años atrás los guitarristas zurdos famosos no tenían esta opción. Vivían en un mundo acomodado e ideado para los diestros. Por lo que solo les quedaba aprender a tocar con la mano derecha o bien girar las cuerdas de la guitarra. El primero de los cuales en hacerlo fue Jimi Hendrix.

Pero en ningún caso fue un impedimento para ellos. Porque con gran talento musical, estos 9 guitarristas consiguieron la fama y el éxito internacional. ¡Sigue leyendo porque seguro que conoces sus nombres!

Kurt Cobain

Kurt Cobain fue el líder del nirvanacompositor, cantante y guitarrista que se ha convertido en todo un icono musical. Exacto, se trata de la exitosa banda de rock americano alternativo Nirvana. Creada a finales de la década de los 80 y haciendo historia con los hits que lanzaron en los 90.

Empezó a tocar la guitarra a los 14 años para refugiarse de sus problemas familiares cuando su tío le regaló una. Con lo que intentó formar un grupo con amigos para tocar canciones de led zepelín y CA / CC. Grupos que fueron determinantes en su vida profesional musical. Para más tarde conocer al bajista Krist Novoselic y los futuros miembros de lo que sería la mejor banda de la historia musical subterráneo.

Su forma de tocar impresiona a todo oyente, puesto que él buscaba la sorpresa anteponiéndola a la técnica. Además, él el era ambidiestroescribía y tocaba la batería con su mano derecha, mientras tocaba la guitarra con su mano zurda.  Cosa que le ayudó a encontrar un sonido personal en una década en la que se seguía una brillante técnica para tocar la guitarra sin dejar espacio para la creatividad.

Pablo McCartney

Otro guitarrista que no puede a faltar a la lista y ha hecho historia es el británico Paul McCartney, el el guitarrista de los beatles. Quien, junto con John Lenon, compuso la mayoría de las canciones de una de las mejores bandas británicas de rock y pop.

Su padre era trompetista y pianista en una banda de jazz en la década de los 20. Por lo que ya desde pequeño mostró interés por la música, sobre todo el jazz y el esquifecanciones americanas tocadas con instrumentos primitivos. El primer instrumento que le regaló su padre fue una trompeta. Que sustituyó más adelante por la guitarra en una época en la que surgía rock and roll. Además de tocar la guitarra y la trompeta, también aprendió a tocar el piano y el órgano.

Jimi Hendrix

Considerado como uno de los mejores guitarristas de la historiaJimi Hendrix fue uno de los mejores guitarristas zurdos famosos. Fue un exitoso guitarrista estadounidense de rock que se convirtió en todo un referente del rock aunque su trayectoria profesional durase apenas 4 años en la década de los 60.

Empezó a tocar la guitarra a los 12 años de manera autodidacta. Hasta que más tarde se unió con grupos de alma y ritmo y bluesuno entre los cuales estaba su mujer Tina Turner. Consiguiendo el éxito desbordante en Reino Unido con su grupo The Jimi Hendrix Experience. Lanzando hits como neblina púrpura (1970) años El viento llora María (1967). Él fue el primero en quitar y revertir las cuerdas a una guitarra diestra para tocarla con la mano izquierda.

Gustavo Cerati

En Argentina nació toda una estrella del rock y el pop que se convirtió en uno de los mejores guitarristas zurdos famosos. Estamos hablando del líder de la exitosa banda argentina de los 80 Estéreo de soda. Una banda influenciada enormemente por The Beatles y The Police considerada precursora de la música electrónica. Habiendo lanzado canciones que ahora son himnos del rock argentino como De música ligera (1990) año Canción animal (1990). Aunque una vez disuelto el grupo, él continuo como solista su carrera musical.

Excelente guitarrista con un dominio de la técnicaCerati podía tocar sonidos de jazz como de rock. Porque desde los 9 años que se sintió atraído por este instrumento que le permitía expresar sus sentimientos. Por lo que se vio obligado a aprender a tocar con la mano derecha siendo zurdo.

dick dale

El pionero y rey del surf rock también fue un guitarrista que tocaba con las cuerdas del revés. Fue un guitarrista estadounidense conocido ampliamente por su éxito Misirloucanción de la banda sonora de ficción de la pulpa. Que en los años de la década 50-60 creó este estilo de música, llegando a influenciar a Jimi Hendrix y los Beach Boys.

Siendo un adolescente, su familia se mudó a California. donde desarrolló una pasión por el surf y un interés musical. De ese modo, con su música, Dale intenta evocar los sonidos del océano con volúmenes altos. Mediante un amplificador, que Leo Fender le dio, que pudiera soportar esta potencia. Llegando a aparecer amplificadores de 100 vatios que fueron aprovechados para el rock y el heavy metal.

Bob Dylan

Bob Dylan es uno de los cantantes, compositores y músicos estadounidenses más influyentes del s. XX. Que, aunque fuera zurdo, continuaba tocando con la mano derecha un estilo musical país, rock y gente. Canciones como Como una piedra rodante (1965), Soplando en el viento (1963) años Huracán (1976) han pasado a la historia y han cautivado a todos sus oyentes. Además, también fue el primer músico en obtener el premio nobel de literatura en 2016.

Desde bien pequeño demostró un interés enorme por la música, ya fuera tocando el piano y la guitarra como escuchando blues, country y rock and roll. Y empezó a tocar canciones propias mezcladas con las de sus ídolos, con su guitarra y su armónica en bares de Minessota. Dándose a conocer con su nombre artístico Bob Dylan, puesto que su nombre real era Robert Zimmerman.

Tommy Iommi

Considerado como uno de los mejores guitarristas zurdos famosos de la historia del rock, Tommy Iommi fue el fundador de Black Sabbath. Una banda británica pionera del heavy metal de los años 70 que se popularizó enormemente antes de la llegada de The Beatles.

Él era zurdo y tocó su guitarra con la mano izquierda. Pero sufrió un terrible accidente en una fábrica y perdió la primera falange del dedo anular y corazón de la mano derecha. Con el tiempo, decidió usar unas prótesis de goma e hizo alguna variación en el tono de su guitarra para así poder continuar con su carrera musical. Cosa que otorgó a sus canciones un sonido grueso característico del grupo y del heavy metal.

alberto rey

Albert Nelson, más conocido con el nombre Albert King, fue uno de los guitarrista zurdos famosos del blues estadounidense de la década de los 50. Es una figura muy influyente y determinante en la historia del rock, razón por la cual es uno de los artistas que se incluyen en el salón de la fama del Rock and Roll en Ohio.

Ya desde pequeño impresionó a un amplio público con su voz suave y su extraordinario manejo con la guitarra autodidacta a pesar de ser zurdo. Por lo que tocaba la guitarra ordinaria girada y estirando las cuerdas hacia abajo en vez de hacia arriba.

Gary Moore

Guitarrista líder de bandas como Skid Row, Colosseum II y Thin Lizzy, Gary Moore fue un famoso músico británico de roca azul y piedra dura. Aunque fue verdaderamente el blues el estilo musical que le cautivó e impresionó. Y llegó a ser uno de los primeros músicos en fusionar el rock con la música celta. Por lo que su música se podría describir como enérgico, explosivo e intenso. Como se muestra en Sobre las colinas y muy lejos (1973).

Es uno de los pocos guitarristas zurdos famosos que aprendió a tocar con su mano derecha la guitarra. Dando lugar su estilo a conocidos riffs que han marcado la historia musical. ¡Escucha sus canciones si todavía no has tenido la oportunidad!

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El guitarrista tiene 77 años (Matthew Baker/Getty Images)

El reconocido músico de rock y blues Eric Clapton anunció que en los últimos días se contagió de coronavirus y suspendió hasta nuevo aviso los shows que tenía previsto dar la próxima semana en las ciudades de Zúrich (Suiza) y Milán (Italia).

?Desafortunadamente, Eric Clapton sufre de COVID después de haber dado positivo poco después del segundo concierto en el Royal Albert Hall. Sus asesores médicos le dijeron que si volviera a viajar y actuar demasiado pronto, podría retrasar sustancialmente su recuperación total. Eric también está ansioso por evitar transmitir cualquier infección a cualquiera de su banda, equipo, promotores, su personal y, por supuesto, a los fanáticos?, se explicó a través de un comunicado que se difundió en la cuenta de Facebook del artista.

El equipo de trabajo del cantante inglés, que tiene 77 años, precisó que, ?después de una intensa discusión interna, se ha decidido, con gran pesar y disculpas a todos los interesados, aplazar las actuaciones en Zúrich, el 17 de mayo, y en Milán, el 18 de mayo, con la esperanza actual de poder reanudar la gira comenzando con los conciertos en Bolonia los días 20 y 21 de mayo?.

El comunicado de Eric Clapton en el que anunció que tiene coronavirus
El comunicado de Eric Clapton en el que anunció que tiene coronavirus

?Es muy frustrante que, habiendo evitado el COVID durante el confinamiento y durante el período en el que se aplicaron las restricciones de viaje, Eric haya sucumbido al coronavirus en este momento, pero esperamos que se recupere lo suficiente para el final de la semana poder realizar el resto de las actuaciones previstas?, se agregó en el texto.

En este sentido, el autor de grandes éxitos como “Maravillosa esta noche”, “Lágrimas en el cielo” y “Cocaína” precisó que ?se hará un nuevo anuncio sobre la reprogramación de los espectáculos pospuestos una vez que se puedan identificar las fechas adecuadas?.

Al respecto, se aclaró que esas futuras presentaciones se realizarán ?dentro de los próximos 6 meses y los boletos comprados seguirán siendo válidos para la nueva fecha reprogramada?.

Si bien el británico recibió la primera dosis de AstraZeneca contra el coronavirus en febrero del año pasado y seis semanas después, la segunda, es bien conocida su postura contra las vacunas para prevenir esta enfermedad.

De hecho, en agosto último lanzó “Esto va a parar”una canción en la que manifestó su rechazo a las medidas sanitarias preventivas y a los inoculantes, después de asegurar que él mismo tuvo una experiencia ?desastrosa?.

El músico manifestó su postura contra las vacunas (Kevin Winter/Getty Images)
El músico manifestó su postura contra las vacunas (Kevin Winter/Getty Images)

El tema fue presentado con un video animado con imágenes que fijan su visión, en la que en una mesa de pocas personas se decide el destino de muchos que consumen diferentes medios de comunicación, fue interpretado por diferentes medios del Reino Unido como un himno anti-vacunas.

También aparece un titiritero malvado y manifestantes blandiendo carteles que dicen ?Libertad? y ?Alto?, como una ilustración de Mermelada por la libertadel grupo británico de espectáculos callejeros antibloqueo que apoya Clapton.

Por otra parte, este lunes el afamado guitarrista confirmó que hará una serie de conciertos alrededor de los Estados Unidos en septiembre próximo, en los cuales tendrá como invitado especial a jimmie vaughanhermano mayor del histórico Stevie Ray Vaughan.

Además, Clapton estará acompañado por una banda integrada por Doyle Bramhall II, Paul Carrack, Nathan East, Sonny Emory y Chris Stainton con Sharon White y Katie Kissoon en los coros. Con este grupo visitará Chicago, Pensilvania, Nueva York, Detroit y Ohio.

SEGUIR LEYENDO:

La terrible muerte de su hijo, la lucha contra el alcohol y el nacimiento de Tears in Heaven, la canción más exitosa de Eric Clapton
Brian May cuestionó la postura antivacunas de su ídolo, el cantante Eric Clapton
Eric Clapton le ganó un juicio a una mujer que puso a la venta en internet una copia pirata de uno de sus discos por 11 dólares

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El guitarrista tiene 77 años (Matthew Baker/Getty Images)

El reconocido músico de rock y blues Eric Clapton anunció que en los últimos días se contagió de coronavirus y suspendió hasta nuevo aviso los shows que tenía previsto dar la próxima semana en las ciudades de Zúrich (Suiza) y Milán (Italia).

?Desafortunadamente, Eric Clapton sufre de COVID después de haber dado positivo poco después del segundo concierto en el Royal Albert Hall. Sus asesores médicos le dijeron que si volviera a viajar y actuar demasiado pronto, podría retrasar sustancialmente su recuperación total. Eric también está ansioso por evitar transmitir cualquier infección a cualquiera de su banda, equipo, promotores, su personal y, por supuesto, a los fanáticos?, se explicó a través de un comunicado que se difundió en la cuenta de Facebook del artista.

El equipo de trabajo del cantante inglés, que tiene 77 años, precisó que, ?después de una intensa discusión interna, se ha decidido, con gran pesar y disculpas a todos los interesados, aplazar las actuaciones en Zúrich, el 17 de mayo, y en Milán, el 18 de mayo, con la esperanza actual de poder reanudar la gira comenzando con los conciertos en Bolonia los días 20 y 21 de mayo?.

El comunicado de Eric Clapton en el que anunció que tiene coronavirus
El comunicado de Eric Clapton en el que anunció que tiene coronavirus

?Es muy frustrante que, habiendo evitado el COVID durante el confinamiento y durante el período en el que se aplicaron las restricciones de viaje, Eric haya sucumbido al coronavirus en este momento, pero esperamos que se recupere lo suficiente para el final de la semana poder realizar el resto de las actuaciones previstas?, se agregó en el texto.

En este sentido, el autor de grandes éxitos como “Maravillosa esta noche”, “Lágrimas en el cielo” y “Cocaína” precisó que ?se hará un nuevo anuncio sobre la reprogramación de los espectáculos pospuestos una vez que se puedan identificar las fechas adecuadas?.

Al respecto, se aclaró que esas futuras presentaciones se realizarán ?dentro de los próximos 6 meses y los boletos comprados seguirán siendo válidos para la nueva fecha reprogramada?.

Si bien el británico recibió la primera dosis de AstraZeneca contra el coronavirus en febrero del año pasado y seis semanas después, la segunda, es bien conocida su postura contra las vacunas para prevenir esta enfermedad.

De hecho, en agosto último lanzó “Esto va a parar”una canción en la que manifestó su rechazo a las medidas sanitarias preventivas y a los inoculantes, después de asegurar que él mismo tuvo una experiencia ?desastrosa?.

El músico manifestó su postura contra las vacunas (Kevin Winter/Getty Images)
El músico manifestó su postura contra las vacunas (Kevin Winter/Getty Images)

El tema fue presentado con un video animado con imágenes que fijan su visión, en la que en una mesa de pocas personas se decide el destino de muchos que consumen diferentes medios de comunicación, fue interpretado por diferentes medios del Reino Unido como un himno anti-vacunas.

También aparece un titiritero malvado y manifestantes blandiendo carteles que dicen ?Libertad? y ?Alto?, como una ilustración de Mermelada por la libertadel grupo británico de espectáculos callejeros antibloqueo que apoya Clapton.

Por otra parte, este lunes el afamado guitarrista confirmó que hará una serie de conciertos alrededor de los Estados Unidos en septiembre próximo, en los cuales tendrá como invitado especial a jimmie vaughanhermano mayor del histórico Stevie Ray Vaughan.

Además, Clapton estará acompañado por una banda integrada por Doyle Bramhall II, Paul Carrack, Nathan East, Sonny Emory y Chris Stainton con Sharon White y Katie Kissoon en los coros. Con este grupo visitará Chicago, Pensilvania, Nueva York, Detroit y Ohio.

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La artista estadounidense cuenta con una de las voces más profundas y relevantes del jazz

Tras el nombre Dee Dee Bridgewater se esconde la estadounidense Denese Garrett, una de las voces más enérgicas y relevantes del jazz desde mediados de los noventa. Además de por su voz, esta dama del jazz destaca por el mestizaje de estilos musicales y arrancarse con la improvisación interpretativa en sus actuaciones en directo. Su talento la ha llevado a ganar, entre otros premios, tres Grammy.

Dee Dee Bridgewater inició su carrera musical en la Big Band de Thad Jones y Mel Lewis, una aventura que se prolongó hasta 1974. Ese mismo año, participó en el musical de Broadway ‘The Wiz’, una actuación que le hizo merecedora del Premio Tony y ser nominada también para el Premio Laurence Oliver, y actuó en Londres y París.

Posteriormente Dee Dee Bridgewater actuó junto a diversas bandas con algunas de las figuras más importantes del jazz, tales como Dizzy Gillespie, Max Roach, Sonny Rollins o Dexter Gordon.

Durante muchos años su talento fue ignorado por el jazz y su país de origen, hasta que en la gira que emprendió por Estados Unidos en 1995, presentando su disco homenaje a Horace Silver, hizo que el público estadounidense la redescubriera.

A lo largo de su carrera ha grabado numerosos discos que van desde el blues hasta el scat y los standards. En 2011 sus seguidores pudieron disfrutar de una recopilación completa bajo el nombre ‘Midnight Sun’.

El relevo generacional de la dama del jazz está asegurado. Su hija, China Moses, también es cantante de jazz y actuó en el Heineken Jazzaldia del año pasado. Se trata de una artista emergente con mucho futuro por delante.

Dee Dee, la polivalente artista del jazz, es también embajadora de buena voluntad en la organización de las Naciones Unidas FAO que lucha contra el hambre en el mundo. Además de una gran voz, Dee Dee Bridgewater tiene también una gran sensibilidad.

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La artista estadounidense cuenta con una de las voces más profundas y relevantes del jazz

Tras el nombre Dee Dee Bridgewater se esconde la estadounidense Denese Garrett, una de las voces más enérgicas y relevantes del jazz desde mediados de los noventa. Además de por su voz, esta dama del jazz destaca por el mestizaje de estilos musicales y arrancarse con la improvisación interpretativa en sus actuaciones en directo. Su talento la ha llevado a ganar, entre otros premios, tres Grammy.

Dee Dee Bridgewater inició su carrera musical en la Big Band de Thad Jones y Mel Lewis, una aventura que se prolongó hasta 1974. Ese mismo año, participó en el musical de Broadway ‘The Wiz’, una actuación que le hizo merecedora del Premio Tony y ser nominada también para el Premio Laurence Oliver, y actuó en Londres y París.

Posteriormente Dee Dee Bridgewater actuó junto a diversas bandas con algunas de las figuras más importantes del jazz, tales como Dizzy Gillespie, Max Roach, Sonny Rollins o Dexter Gordon.

Durante muchos años su talento fue ignorado por el jazz y su país de origen, hasta que en la gira que emprendió por Estados Unidos en 1995, presentando su disco homenaje a Horace Silver, hizo que el público estadounidense la redescubriera.

A lo largo de su carrera ha grabado numerosos discos que van desde el blues hasta el scat y los standards. En 2011 sus seguidores pudieron disfrutar de una recopilación completa bajo el nombre ‘Midnight Sun’.

El relevo generacional de la dama del jazz está asegurado. Su hija, China Moses, también es cantante de jazz y actuó en el Heineken Jazzaldia del año pasado. Se trata de una artista emergente con mucho futuro por delante.

Dee Dee, la polivalente artista del jazz, es también embajadora de buena voluntad en la organización de las Naciones Unidas FAO que lucha contra el hambre en el mundo. Además de una gran voz, Dee Dee Bridgewater tiene también una gran sensibilidad.

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Harry Styles no pudo elegir mejor nombre para su tercer disco de estudio: la casa de harry. De entrada, pareciera que el cantante utiliza su nombre para hacernos una invitación a su casa, a las partes más íntimas, aquellas que conllevan un proceso de introspección que no siempre se revela hacia afuera.

Y no estamos mal. En este material discográfico se muestra más suave (o enamorado, aquella paz que viene de ahí) que sus dos discos anteriores. Sin embargo, la mayoría de las trece canciones en el la casa de harry van más allá de esta primera interpretación. Son una especie de ruptura de lo que creemos ver en una figura tan popular como la de Harry Styles.

Esto viene de la verdadera inspiración detrás del nombre, la cual crea el nuevo concepto y desarrolla esta era dentro de la carrera del cantante. Se trata de la canción de Joni Mitchell tituló ?Harry’s House / Centerpiece? del El silbido de los jardines de verano (1975)la cual integra en su segunda parte la pieza de jazz standard de Harry Edison y Jon Hendricks (de ahí el nombre compuesto).

Harry?s House: una ruptura de lo que creemos

La canción ?Harry?s House? habla sobre una familia, sobre todo un matrimonio, que se mueve con fragilidad y entre apariencias. Harry, el protagonista, es una suerte de Jonás que queda atrapado entre el consumo, la inmediatez y los escaparates. La belleza estándar, el estereotipo, el dinero y la fama, son la criatura que se lo traga.

Por lo tanto, y como adelantamos, el disco la casa de harry le pone un fin al cruel valor (superficial) que le hemos dado a Harry Styles como estrella y como figura. Y nos viene a recordar que Styles es un artista, y sobre todo, un ser humano. El músico ya se había mostrado personal en canciones como ?Canyon Moon?, también inspirada en Mitchell, curiosamente. Pero nunca como ahora.

La canción ?Matilda? es una de las mejores (y con la que vas a necesitar un pañuelo desechable). Suena como una carta escrita y dirigida para alguien en específico. Habla sobre la vergüenza de sentirse solos a pesar de estar rodeados de gente (pero al menos, gente que no nos entiende). La letra también desarrolla la idea del significado de crecer, el cual se traduce a decir adiós sin sentir culpa.

Seguimos con el tema de la comida

Lo que más nos divierte, en el buen sentido de la palabra porque es más como una lección, es que para Harry Styles, la profundidad no está peleada con la simpleza (sus videos musicales son el mejor ejemplo, ACÁ les contamos). Y el cantante de 28 años sigue haciendo canciones sobre comida.

La canción que abre la casa de harry es ?Música para un restaurante de sushi?en la cual vuelve a tomar a Mitchell pero ahora en la estructura de la rola. Es decir, no van a encontrarse con una canción reflexiva, sino porque si Mitchell integró algo de jazz, Harry integra trompetas y arma una fiesta.

Pero no se dejen engañar. Podríamos decir que es la canción más divertida del disco, musicalmente hablando, junto a ?Daydreaming?pues ambas aprovechan de una nueva forma el cómo se integran algunos instrumentos y distintas voces. Pero el disco no es así. Para nada.

Menos enérgico, pero más centrado

La tercera canción del disco es “Jugo de uva” (si les suena tipo Phantogram, por favor dígannos), la cual sigue la misma línea de ?As It Was? con algo de synth-pop, pero entre distintos temas. Con “Pequeño monstruo” mientras lo escuchamos cantar sobre sueños húmedos de una relación pasada, y “Hablando a altas horas de la noche” es sobre la compañía y el valor de la amistad. ?Si te sientes mal, solo quiero hacerte feliz?.

Harry nos hace feliz con algunas canciones del disco, pero procede a tumbarnos con la mayoría. Es hasta “Luz” donde encontramos el verdadero tono del disco: mucho más lento, menos enérgico, pero propio. Tanto esta canción como “Sigue conduciendo”nos llevan de regreso a los 60 y 70 con un estilo colorido a la Paris Sisters.

¿Harry Styles habla de su vida amorosa?

Para muchos, la canción ?Cinema? podría estar dirigida (apuntar, pues) hacia Olivia Wildeactual pareja del cantante. El título podía mostrar cierta relación, dejando de lado que Styles volvió al cine a finales de 2021 con eternos y regresa este 2022 con no te preocupes cariño dirigida, justamente, por Wilde.

Pero de lo que sí tenemos certeza es de que es la canción más sensual de la casa de harry. Para que se den una idea, dice así: ?Si te estás mojando por mí, supongo que eres todo mío?. Además, esta es una de las dos canciones que suma a John Mayer como guitarrista.

Para recuperarnos de esta canción, llega algo como ?Satellite?, la cual es pegajosa y simple con un cierre de esos que tienen un buen clímax.  Luego le baja el tono con “novios” mientras se pregunta: ?¿Están fingiendo??.

“Amor de mi vida”

La última canción del la casa de harry es el perfecto cierre y es la que mejor define al disco: encantador, cálido, a veces demasiado profundo, otras más abierto y sensual. ?Love of My Life?, les aseguramos, será uno de los tracks más populares porque suena una canción tradicional de amor con frases como ?quizás no sabes lo que se pierde hasta que lo encuentras? o ?no sabes dónde aterrizas cuando vuelas?.

La canción habla de una relación que fue partir de que la pareja no se encontraba en el mismo lugar. Y esa ?incompatibilidad? del momento, no de la persona, la enfrentó Harry Styles cuando después de 10 años, se encontró encerrado en su casa por la pandemia. Un Harry sedentario después de estar en tour y en el estudio durante tanto tiempo.

Se puso a escribir, y se lanzó a distintos estudios entre Londres, Tokio, Los Angeles y más, para grabar el disco. Se dijo adiós para reencontrarse, esta vez, reconciliado con la idea de un hogar, un espacio para estar enamorado. Así entendemos a este Harry Styles y este disco.

LISTA DE PISTAS

?Música para un restaurante de sushi?

“Hablando a altas horas de la noche”

“Jugo de uva”

“Como era”

“Luz”

“Pequeño monstruo”

“Matilda”

“Cine”

“Soñador”

“Sigue conduciendo”

“Satélite”

“novios”

“Amor de mi vida”

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Harry Styles no pudo elegir mejor nombre para su tercer disco de estudio: la casa de harry. De entrada, pareciera que el cantante utiliza su nombre para hacernos una invitación a su casa, a las partes más íntimas, aquellas que conllevan un proceso de introspección que no siempre se revela hacia afuera.

Y no estamos mal. En este material discográfico se muestra más suave (o enamorado, aquella paz que viene de ahí) que sus dos discos anteriores. Sin embargo, la mayoría de las trece canciones en el la casa de harry van más allá de esta primera interpretación. Son una especie de ruptura de lo que creemos ver en una figura tan popular como la de Harry Styles.

Esto viene de la verdadera inspiración detrás del nombre, la cual crea el nuevo concepto y desarrolla esta era dentro de la carrera del cantante. Se trata de la canción de Joni Mitchell tituló ?Harry’s House / Centerpiece? del El silbido de los jardines de verano (1975)la cual integra en su segunda parte la pieza de jazz standard de Harry Edison y Jon Hendricks (de ahí el nombre compuesto).

Harry?s House: una ruptura de lo que creemos

La canción ?Harry?s House? habla sobre una familia, sobre todo un matrimonio, que se mueve con fragilidad y entre apariencias. Harry, el protagonista, es una suerte de Jonás que queda atrapado entre el consumo, la inmediatez y los escaparates. La belleza estándar, el estereotipo, el dinero y la fama, son la criatura que se lo traga.

Por lo tanto, y como adelantamos, el disco la casa de harry le pone un fin al cruel valor (superficial) que le hemos dado a Harry Styles como estrella y como figura. Y nos viene a recordar que Styles es un artista, y sobre todo, un ser humano. El músico ya se había mostrado personal en canciones como ?Canyon Moon?, también inspirada en Mitchell, curiosamente. Pero nunca como ahora.

La canción ?Matilda? es una de las mejores (y con la que vas a necesitar un pañuelo desechable). Suena como una carta escrita y dirigida para alguien en específico. Habla sobre la vergüenza de sentirse solos a pesar de estar rodeados de gente (pero al menos, gente que no nos entiende). La letra también desarrolla la idea del significado de crecer, el cual se traduce a decir adiós sin sentir culpa.

Seguimos con el tema de la comida

Lo que más nos divierte, en el buen sentido de la palabra porque es más como una lección, es que para Harry Styles, la profundidad no está peleada con la simpleza (sus videos musicales son el mejor ejemplo, ACÁ les contamos). Y el cantante de 28 años sigue haciendo canciones sobre comida.

La canción que abre la casa de harry es ?Música para un restaurante de sushi?en la cual vuelve a tomar a Mitchell pero ahora en la estructura de la rola. Es decir, no van a encontrarse con una canción reflexiva, sino porque si Mitchell integró algo de jazz, Harry integra trompetas y arma una fiesta.

Pero no se dejen engañar. Podríamos decir que es la canción más divertida del disco, musicalmente hablando, junto a ?Daydreaming?pues ambas aprovechan de una nueva forma el cómo se integran algunos instrumentos y distintas voces. Pero el disco no es así. Para nada.

Menos enérgico, pero más centrado

La tercera canción del disco es “Jugo de uva” (si les suena tipo Phantogram, por favor dígannos), la cual sigue la misma línea de ?As It Was? con algo de synth-pop, pero entre distintos temas. Con “Pequeño monstruo” mientras lo escuchamos cantar sobre sueños húmedos de una relación pasada, y “Hablando a altas horas de la noche” es sobre la compañía y el valor de la amistad. ?Si te sientes mal, solo quiero hacerte feliz?.

Harry nos hace feliz con algunas canciones del disco, pero procede a tumbarnos con la mayoría. Es hasta “Luz” donde encontramos el verdadero tono del disco: mucho más lento, menos enérgico, pero propio. Tanto esta canción como “Sigue conduciendo”nos llevan de regreso a los 60 y 70 con un estilo colorido a la Paris Sisters.

¿Harry Styles habla de su vida amorosa?

Para muchos, la canción ?Cinema? podría estar dirigida (apuntar, pues) hacia Olivia Wildeactual pareja del cantante. El título podía mostrar cierta relación, dejando de lado que Styles volvió al cine a finales de 2021 con eternos y regresa este 2022 con no te preocupes cariño dirigida, justamente, por Wilde.

Pero de lo que sí tenemos certeza es de que es la canción más sensual de la casa de harry. Para que se den una idea, dice así: ?Si te estás mojando por mí, supongo que eres todo mío?. Además, esta es una de las dos canciones que suma a John Mayer como guitarrista.

Para recuperarnos de esta canción, llega algo como ?Satellite?, la cual es pegajosa y simple con un cierre de esos que tienen un buen clímax.  Luego le baja el tono con “novios” mientras se pregunta: ?¿Están fingiendo??.

“Amor de mi vida”

La última canción del la casa de harry es el perfecto cierre y es la que mejor define al disco: encantador, cálido, a veces demasiado profundo, otras más abierto y sensual. ?Love of My Life?, les aseguramos, será uno de los tracks más populares porque suena una canción tradicional de amor con frases como ?quizás no sabes lo que se pierde hasta que lo encuentras? o ?no sabes dónde aterrizas cuando vuelas?.

La canción habla de una relación que fue partir de que la pareja no se encontraba en el mismo lugar. Y esa ?incompatibilidad? del momento, no de la persona, la enfrentó Harry Styles cuando después de 10 años, se encontró encerrado en su casa por la pandemia. Un Harry sedentario después de estar en tour y en el estudio durante tanto tiempo.

Se puso a escribir, y se lanzó a distintos estudios entre Londres, Tokio, Los Angeles y más, para grabar el disco. Se dijo adiós para reencontrarse, esta vez, reconciliado con la idea de un hogar, un espacio para estar enamorado. Así entendemos a este Harry Styles y este disco.

LISTA DE PISTAS

?Música para un restaurante de sushi?

“Hablando a altas horas de la noche”

“Jugo de uva”

“Como era”

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STEVE DIETL/NETFLIX

Bastante más que ?la sucesora de Breaking Bad”, Ozark consiguió a lo largo de sus tres temporadas (y de la cuarta y final, cuya primera parte acaba de estrenarse por Netflix) un altísimo vuelo propio a pesar de meterse con la transitada problemática del narco.

Es eso, un narcothriller, pero de ningún modo, uno más. Y en parte es así por el uso estratégico de la música que atraviesa la serie en paralelo a la destreza del guion. Así, el rock de guitarras va aquí de lo clásico a lo alternativo; el soul de las divas de los 50 al vintage siglo XXI y el hip hop desde las raíces a la vanguardia popular de los últimos veinte años. Lo que sigue es puro Ozark para los oídos.

?Bésame mucho? (Tino Rossi, 1945)

La versión francesa del bolerazo compuesto por la concertista mexicana Consuelo Velázquez en 1940 se escucha durante una secuencia truculenta en la tercera temporada de la serie. Con Marty Bride secuestrado es que la voz del mítico amante latino de origen corso (1907-1983) se deja oír como una mancha ominosa donde lo romántico deviene siniestro. Es uno de los habituales recursos de los musicalizadores de las series, que desvían al original de su intención entre el consumo irónico y la perversión. Rossi la volvió un éxito para el público francófono con un aire a tango argentino en los arreglos de cuerdas y las guitarras gardelianas.

Prefiero quedarme ciego (Etta James, 1968)

En una de sus interpretaciones más sentidas, la legendaria Etta James (1938-2012) exprime soul, blues y jazz en esta balada firmada a dúo con Ellington Jordan, quien le mostró el primer esbozo en la prisión, según la misma diva contó en su autobiografía Ira por sobrevivir. Ya en plena contracultura, su estilo había influido decisivamente en el de Janis Joplin y, luego, en el de Robert Plant (esos ?baby? travestidos en Zeppelin). Pero la instrumentación desatiende el rumor ambiente para apegarse a la etiqueta del alma profunda. Un órgano la sobrevuela y la guitarra no tiene otro efecto que un trémolo suave, casi inadvertido. Una joya de pop negro disuelta también en la temporada 3.

“¿No me oyes tocar la puerta?” (The Rolling Stones, 1971)

Hay mucho rock de guitarras clásico y alternativo en el soundtrack de Ozark. Muy pronto, en el capítulo 4 de la temporada 1 aparece esta anomalía stone de 7 minutos donde la guitarra de Mick Taylor, el énfasis percusivo de las congas y cierto aire de improvisación embriagada remiten al sonido de Carlos Santana. Es interesante que Ozark haya buceado en uno de los mejores paisajes sonoros construidos por el grupo en toda su discografía. Desde los 2 minutos y 43 segundos la canción cambia de rumbo en una deriva tan incierta como el espesor que asoma por detrás de la aparente normalidad en la vida de Marty y Wendy. Por cosas como esta no son solo una banda de covers de blues, señor pablo.

?Tómate un cigarro? (Pink Floyd, 1975)

El momento más balancín del álbum Desearía que estuvieras Aquí es el que abre la futura pregunta de la obra conceptual y autobiográfica La pared: ?¿Cuál de ustedes es Pink?? Roger Waters pone en marcha aquí su psicoanálisis del espectáculo y de la industria musical con el fantasma culpógeno de Syd Barrett, el fundador del grupo y pionero de la psicodelia. Suena ajustado al clima de la serie con los capos narco en el lugar de managers y los Bryde haciendo de Pink Floyd, una familia para nada normal.

?Mala reputación? (Thin Lizzy, 1977)

El éxito de una serie global como Ozark puede empujar a la visibilidad a un viejo como Thin Lizzy, sin lugar en las radios de clásicos y rescatados cada tanto por cubre como aquel de Metallica (?Whiskey in a Jar?) del álbum garaje inc. de 1998. El grupo irlandés suena aquí rápido y furioso anticipando la síncopa del futuro Thrash metal. También es característico el unísono de las guitarras al final (doblada aquí, ya que Brian Robertson grabó solo en dos tracks) con un hipnótico desarrollo instrumental. La canción de Joan Jett editada apenas cuatro años después (entonces era mucho tiempo) no tiene ninguna relación con la escrita por Phil Lynot. Thin Lizzy también tuvo su cameo en Amazon a través de la serie Los chicos.

?Es hora de que yo vuele? (REO Speedwagon, 1978)

Grupos como REO Speedwagon le dieron forma entre la segunda mitad de los 70 y principios de los 80 a un subgénero (un objetivo también) conocido como AOR (acrónimo de Rock orientado a adultos) que vendría a ser la moderación como todo extremo. Paralelo a la nueva ola, en el AOR el rock progresivo se volvía pastiche melódico como lo muestra este hit, que parece mediar entre Yes y Air Supply. La diferencia con el resto de la playlist es que los REO Speedwagon aparecen tocando en la serie (episodio 3 de la temporada 3), animando un evento al mismo tiempo que Wendy canta el original mientras maneja por la ruta. Esta aparición empujó el regreso del grupo al chart Hot Rock de Billboard en abril de 2020. No solo eso, sino que el cantante Kevin Cronin (?Kevin Cronin Was Here?, se llama el capítulo) declaró: ?Gracias a Ozark mis propios hijos ahora creen que soy cool?. Frio.

?Caja en forma de corazón? (Nirvana, 1993)

El basura blanca Russ Langmore (Marc Menchaca) trae el fantasma de Kurt Cobain cuando rasguea en la guitarra acústica los primeros acordes de ?The Man Who Sold The World?, más en el estilo del Nirvana desenchufado que del original de Bowie. Fuera de esto no puede establecerse ninguna asociación entre este personaje oscuro y el sensible líder del trío de Seattle. Nirvana vuelve en la tercera temporada con ?Heart Shaped Box?, una de las más contundentes canciones de en el útero y un Everest artístico para MTV, con ese video dirigido por Anton Corbjin montado en la mejor tradición surrealista.

?Rehabilitación? (Amy Winehouse, 2006)

El éxito vintage de la desgraciada Amy puede parecer una elección obligada para una serie cuya acción se rige bajo los parámetros del narcotráfico. Pero sería más justo para con su cuerpo frágil y su voz ronca pensarla en la genealogía de una Etta James, ya mencionada en esta playlist. Parte del rescate de Winehouse resultó también en un rechazo por la digitalización de la música para afirmar no solo un sonido sino una manera física de aproximarse al acto musical. Ningún holograma va a traer de vuelta tanto dolor y semejante pasión.

Fugitivo (Kanye West, 2010)

Uno de los capítulos de la temporada 3 se va con el piano minimalista de uno de los mejores collages (lo de canción no termina de ser adecuado) de West que, a contramano de Winehouse, convirtió al sintonización automática en el Wow wow de la segunda década del siglo XXI. Bien en la línea intimista de 808 y Hertbreak, ?Runaway? es un desafío a los límites del hip hop y un ejemplo de vanguardia negra para una escena masiva y global. El soul aparece aquí deconstruido, astillado en fragmentos, como si una tablet fuera arrojada con violencia al piso.

?El Correo Diario? (Radiohead, 2011)

Radiohead es un grupo al que Ozark recurre en sus tres temporadas. En este caso con un simple (editado en paralelo al álbum rey de las extremidades) guiado por una cadencia de piano muy característica que se complejiza en cada compás. Así, el trauma expuesto de Thom Yorke se homologa con el laberinto en el que desemboca la vida de Marty Bride. Ozark y el grupo de Oxford están hechos, en el fondo, de la misma sustancia oscura.

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STEVE DIETL/NETFLIX

Bastante más que ?la sucesora de Breaking Bad”, Ozark consiguió a lo largo de sus tres temporadas (y de la cuarta y final, cuya primera parte acaba de estrenarse por Netflix) un altísimo vuelo propio a pesar de meterse con la transitada problemática del narco.

Es eso, un narcothriller, pero de ningún modo, uno más. Y en parte es así por el uso estratégico de la música que atraviesa la serie en paralelo a la destreza del guion. Así, el rock de guitarras va aquí de lo clásico a lo alternativo; el soul de las divas de los 50 al vintage siglo XXI y el hip hop desde las raíces a la vanguardia popular de los últimos veinte años. Lo que sigue es puro Ozark para los oídos.

?Bésame mucho? (Tino Rossi, 1945)

La versión francesa del bolerazo compuesto por la concertista mexicana Consuelo Velázquez en 1940 se escucha durante una secuencia truculenta en la tercera temporada de la serie. Con Marty Bride secuestrado es que la voz del mítico amante latino de origen corso (1907-1983) se deja oír como una mancha ominosa donde lo romántico deviene siniestro. Es uno de los habituales recursos de los musicalizadores de las series, que desvían al original de su intención entre el consumo irónico y la perversión. Rossi la volvió un éxito para el público francófono con un aire a tango argentino en los arreglos de cuerdas y las guitarras gardelianas.

Prefiero quedarme ciego (Etta James, 1968)

En una de sus interpretaciones más sentidas, la legendaria Etta James (1938-2012) exprime soul, blues y jazz en esta balada firmada a dúo con Ellington Jordan, quien le mostró el primer esbozo en la prisión, según la misma diva contó en su autobiografía Ira por sobrevivir. Ya en plena contracultura, su estilo había influido decisivamente en el de Janis Joplin y, luego, en el de Robert Plant (esos ?baby? travestidos en Zeppelin). Pero la instrumentación desatiende el rumor ambiente para apegarse a la etiqueta del alma profunda. Un órgano la sobrevuela y la guitarra no tiene otro efecto que un trémolo suave, casi inadvertido. Una joya de pop negro disuelta también en la temporada 3.

“¿No me oyes tocar la puerta?” (The Rolling Stones, 1971)

Hay mucho rock de guitarras clásico y alternativo en el soundtrack de Ozark. Muy pronto, en el capítulo 4 de la temporada 1 aparece esta anomalía stone de 7 minutos donde la guitarra de Mick Taylor, el énfasis percusivo de las congas y cierto aire de improvisación embriagada remiten al sonido de Carlos Santana. Es interesante que Ozark haya buceado en uno de los mejores paisajes sonoros construidos por el grupo en toda su discografía. Desde los 2 minutos y 43 segundos la canción cambia de rumbo en una deriva tan incierta como el espesor que asoma por detrás de la aparente normalidad en la vida de Marty y Wendy. Por cosas como esta no son solo una banda de covers de blues, señor pablo.

?Tómate un cigarro? (Pink Floyd, 1975)

El momento más balancín del álbum Desearía que estuvieras Aquí es el que abre la futura pregunta de la obra conceptual y autobiográfica La pared: ?¿Cuál de ustedes es Pink?? Roger Waters pone en marcha aquí su psicoanálisis del espectáculo y de la industria musical con el fantasma culpógeno de Syd Barrett, el fundador del grupo y pionero de la psicodelia. Suena ajustado al clima de la serie con los capos narco en el lugar de managers y los Bryde haciendo de Pink Floyd, una familia para nada normal.

?Mala reputación? (Thin Lizzy, 1977)

El éxito de una serie global como Ozark puede empujar a la visibilidad a un viejo como Thin Lizzy, sin lugar en las radios de clásicos y rescatados cada tanto por cubre como aquel de Metallica (?Whiskey in a Jar?) del álbum garaje inc. de 1998. El grupo irlandés suena aquí rápido y furioso anticipando la síncopa del futuro Thrash metal. También es característico el unísono de las guitarras al final (doblada aquí, ya que Brian Robertson grabó solo en dos tracks) con un hipnótico desarrollo instrumental. La canción de Joan Jett editada apenas cuatro años después (entonces era mucho tiempo) no tiene ninguna relación con la escrita por Phil Lynot. Thin Lizzy también tuvo su cameo en Amazon a través de la serie Los chicos.

?Es hora de que yo vuele? (REO Speedwagon, 1978)

Grupos como REO Speedwagon le dieron forma entre la segunda mitad de los 70 y principios de los 80 a un subgénero (un objetivo también) conocido como AOR (acrónimo de Rock orientado a adultos) que vendría a ser la moderación como todo extremo. Paralelo a la nueva ola, en el AOR el rock progresivo se volvía pastiche melódico como lo muestra este hit, que parece mediar entre Yes y Air Supply. La diferencia con el resto de la playlist es que los REO Speedwagon aparecen tocando en la serie (episodio 3 de la temporada 3), animando un evento al mismo tiempo que Wendy canta el original mientras maneja por la ruta. Esta aparición empujó el regreso del grupo al chart Hot Rock de Billboard en abril de 2020. No solo eso, sino que el cantante Kevin Cronin (?Kevin Cronin Was Here?, se llama el capítulo) declaró: ?Gracias a Ozark mis propios hijos ahora creen que soy cool?. Frio.

?Caja en forma de corazón? (Nirvana, 1993)

El basura blanca Russ Langmore (Marc Menchaca) trae el fantasma de Kurt Cobain cuando rasguea en la guitarra acústica los primeros acordes de ?The Man Who Sold The World?, más en el estilo del Nirvana desenchufado que del original de Bowie. Fuera de esto no puede establecerse ninguna asociación entre este personaje oscuro y el sensible líder del trío de Seattle. Nirvana vuelve en la tercera temporada con ?Heart Shaped Box?, una de las más contundentes canciones de en el útero y un Everest artístico para MTV, con ese video dirigido por Anton Corbjin montado en la mejor tradición surrealista.

?Rehabilitación? (Amy Winehouse, 2006)

El éxito vintage de la desgraciada Amy puede parecer una elección obligada para una serie cuya acción se rige bajo los parámetros del narcotráfico. Pero sería más justo para con su cuerpo frágil y su voz ronca pensarla en la genealogía de una Etta James, ya mencionada en esta playlist. Parte del rescate de Winehouse resultó también en un rechazo por la digitalización de la música para afirmar no solo un sonido sino una manera física de aproximarse al acto musical. Ningún holograma va a traer de vuelta tanto dolor y semejante pasión.

Fugitivo (Kanye West, 2010)

Uno de los capítulos de la temporada 3 se va con el piano minimalista de uno de los mejores collages (lo de canción no termina de ser adecuado) de West que, a contramano de Winehouse, convirtió al sintonización automática en el Wow wow de la segunda década del siglo XXI. Bien en la línea intimista de 808 y Hertbreak, ?Runaway? es un desafío a los límites del hip hop y un ejemplo de vanguardia negra para una escena masiva y global. El soul aparece aquí deconstruido, astillado en fragmentos, como si una tablet fuera arrojada con violencia al piso.

?El Correo Diario? (Radiohead, 2011)

Radiohead es un grupo al que Ozark recurre en sus tres temporadas. En este caso con un simple (editado en paralelo al álbum rey de las extremidades) guiado por una cadencia de piano muy característica que se complejiza en cada compás. Así, el trauma expuesto de Thom Yorke se homologa con el laberinto en el que desemboca la vida de Marty Bride. Ozark y el grupo de Oxford están hechos, en el fondo, de la misma sustancia oscura.

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?No olvidemos que en medio de todo este puritanismo sanitario, hoy día obligan a jóvenes en sus veintes y treintas a portar aplicaciones con certificado vacunal a la vez que prescinden del trabajo de visitar barrios y fincas en zonas rurales ofreciendo la vacuna. Prefieren convertir a esta gran herramienta médica en fortín político e ideológico, casi como un instrumento para el bautismo laico?.


Los hippies, beats y psiconáutas?quienes no le temían a la autoridad cuando se trataba de defender los derechos civiles y escuchaban rock n? roll con varias micras de ácido lisérgico en su sangre en medio de festivales masivos como Woodstock?se han esfumado. Esos tiempos en los que Santana aparecía en medio de un trance psicodélico tocando Sacrificio del alma y Jimi Hendrix afinaba su guitarra mientras tocaba un distorsionado Estandarte estrellado para rescatar a la nación de las manos de los fanáticos de la guerra y sus fantasías de invasiones foráneas, han desaparecido. Se han ido junto con esa época en la que no teníamos al mundo entero en la palma de nuestras manos a la velocidad de un par de clics, de posts, de tweets.

Aquellos individuos que evocaban el espíritu solitario y aventurero de Thoreau?ese hombre que tenía la razón más que su vecino y constituía una mayoría de uno?no resisten la tentación de las mayorías. Esos que salían rajados por las carreteras a la manera del Blues de la casa de la carretera de Jim Morrison a varias millas por hora en sus carros destartalados (o quizás al ritmo del Golpear la carretera de Ray Charles), no son más que un vago recuerdo que subsiste en las aceras con libros piratas y en los videos sin derechos de autor que se divulgan en YouTube. Del mismo modo poco podemos hacer para reivindicar a esa generación que además de andar en la carretera?En la carretera?vagabundeaba entre fronteras y vagones de trenes en busca del dharma como el que nunca alcanzó a asir Kerouac ni ninguno de los de la Generación Beat, como sí lo hizo Siddhartha con una simple sonrisa en el rostro.

Se avecina entonces el tiempo de una nueva contracultura, pues ya perecieron hasta los profetas que le cantaban a un futuro relativista en el que nada se puede medir, en el que ?La ventisca del mundo/ Ha cruzado el umbral /And it?s overturned / The order of the soul? como lo hacía Leonard Cohen con sombrero bien puesto y el micrófono en mano. Todo indica que al haber sobrepasado el umbral de la historia y el progreso, ese umbral del que hablaba el filósofo y sacerdote Iván Illich en los setenta al referirse a las instituciones (la sociedad que debe ser desescolarizada y la medicina que fácilmente puede tornarse iatrogénica), nos vemos incapaces de operar con mayor espontaneidad, sin pretensión alguna, rindiéndole cuentas a la academia, a los expertos y a la ciencia como dogma. Todo esto mientras nos mostramos resilientes, empoderados e inclusivos?siendo en realidad nada más que políticamente correctos y arrodillados ante la tecnocracia que ha trascendido el umbral del progreso para volverse contraproducente, como también lo advirtió Ivan Illich.

Por eso hoy veamos a estos íconos ya envejecidos abogando por coartar los derechos civiles. Siendo este el caso de Noam Chomsky, quien luego de décadas de obra dedicada a hablar del consenso manufacturado, aparece reclamando la exclusión de minorías enteras de la población por no estar vacunados y exigiendo que se remuevan a sí mismos de la sociedad. No titubea al dejarse llevar por el cardumen y los medios que insisten en que estos individuos son un peligro para la sociedad normalizada, percibiéndolos cual degenerados y viciados, incapaces de ajustarse a la norma.

Es así como en lugar de abogar por la educación gratuita y universal y la salud como un derecho mas no como un mandato, el progresismo flirtea con el biopoder. Sus representantes ruegan por el cierre de escuelas y universidades para que en su lugar el estado se encargue de enviarnos tapabocas N95 por correo a casa para cubrir rostros y expresiones, como lo solicita Bernie Sanders, líder del progresismo estadounidense. Por tal razón estos íconos envejecidos?sus cuerpos trajinados luego de décadas de una contracultura que hoy día hace de la utopía una distopía biopolítica?no lo pensarán dos veces en dejar sin empleo a madres cabeza de familia que trabajan en restaurantes, peluquerías y negocios propios al solicitar el cierre de establecimientos. Lo permitirán en aras de disminuir los casos, casi como haciendo la danza de lluvia para así preservar su propia vida, abandonando a estas mujeres a su suerte mientras sus hijos pretendan aprender una que otra lección en línea cual servicio de chat y transmisión.

Estos íconos independientes y progresistas sacan decretos de la manga para que, de la manera más inclusiva, tengamos que salir por turnos?mujeres un día, hombres el otro?y así cumplir con el decreto de pico y género como el que logró imponer la alcaldesa de Bogotá, Claudia López, en 2020. No olvidemos que en medio de todo este puritanismo sanitario, hoy día obligan a jóvenes en sus veintes y treintas a portar aplicaciones con certificado vacunal a la vez que prescinden del trabajo de visitar barrios y fincas en zonas rurales ofreciendo la vacuna. Prefieren convertir a esta gran herramienta médica en fortín político e ideológico, casi como un instrumento para el bautismo laico. En otras palabras, nos imponen mandatos y decretos antes que brindarnos recursos e información con transparencia.

Es por ende que vemos a intelectuales como Carolina Sanín?bien letrada en La Ilíada, en la que la peste anuncia la guerra que se avecina entre aqueos y troyanos? hoy pretender hacer de la enfermedad contagiosa una bandera de la superioridad moral, como aparece en su trino en el que le ordena a los empleados de una droguería que tragaban y se chupaban los dedos sin tapabocas a que se lo pongan. Claro está, individuos como Sanín no tendrán inconveniente alguno en ingresar a un restaurante donde además de enseñar el carné vacunal en la entrada harán su orden a través de un menú con QR desde su smartphone y se sentarán a charlar con los de su misma casta intelectual sobre el devenir de la nación mientras comen con rostros desnudos pero plenos de virtud. Y, el mesero, representante de la clase trabajadora enmascarada, habrá de atenderlos a una distancia prudente y con un N95 bien ajustado al rostro.

Es entonces que nuestro espíritu de la época de la pureza sanitaria?querámoslo o no?a todos no envuelve en una maraña de decretos y protocolos para evitar que el abyecto, el poluto e indisciplinado, el no-vacunado, respire el mismo aire que el de aquellos a su alrededor y termine contagiando de impudor y malas costumbres a la comunidad entera. Por lo tanto, no resta más que, en palabras de Martin Luther King Jr., apelar a la tensión, a ?un tipo de tensión constructiva, no violenta, que resulta imprescindible para el desarrollo?, como lo explica en su Papel desde la cárcel de Birmingham escrita en 1963, en la que nos recuerda que ?la segregación distorsiona el alma y daña la personalidad?, pues estas leyes segregacionistas de la época, como las de hoy día bajo el clamor de la ciencia, ? proporciona[ban] a los segregadores una falsa sensación de superioridad, de la misma manera que proporciona[ban] una falsa sensación de inferioridad a los segregados?. Surge así el deber?en especial por parte de nosotros, los ya-vacunados?de proteger a esta minoría.

Es entonces que se avecina una nueva contracultura, una que venga acompañada de su propia música, su propia literatura y prensa, pero también de su propio arte, ojalá contestatario y callejero, como se divulga en los alrededores de la Universidad de la Florida, donde aparecen grafitis con los mensajes ?No mask? y ?Covid1984?, anunciando una ruptura con el aparato bio-médico de vigilancia que nos relega a la simple condición biológica, cuya vida debe ser protegida a toda costa?aun en cuanto esto implique la desintegración del colectivo. Así también se vislumbra en las manifestaciones alrededor del mundo, en las que se exige que no se convierta esta o demás intervenciones médicas en excusa para despedir y aplastar a la clase trabajadora; entre estas manifestaciones, las de los trabajadores de la salud en Inglaterra y la de la larga flota de camioneros en Canadá que al estar compuestos por individuos sin títulos universitarios, conocimiento científico y rednecks incultos, se les señala de fascistas.

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Los hippies, beats y psiconáutas?quienes no le temían a la autoridad cuando se trataba de defender los derechos civiles y escuchaban rock n? roll con varias micras de ácido lisérgico en su sangre en medio de festivales masivos como Woodstock?se han esfumado. Esos tiempos en los que Santana aparecía en medio de un trance psicodélico tocando Sacrificio del alma y Jimi Hendrix afinaba su guitarra mientras tocaba un distorsionado Estandarte estrellado para rescatar a la nación de las manos de los fanáticos de la guerra y sus fantasías de invasiones foráneas, han desaparecido. Se han ido junto con esa época en la que no teníamos al mundo entero en la palma de nuestras manos a la velocidad de un par de clics, de posts, de tweets.

Aquellos individuos que evocaban el espíritu solitario y aventurero de Thoreau?ese hombre que tenía la razón más que su vecino y constituía una mayoría de uno?no resisten la tentación de las mayorías. Esos que salían rajados por las carreteras a la manera del Blues de la casa de la carretera de Jim Morrison a varias millas por hora en sus carros destartalados (o quizás al ritmo del Golpear la carretera de Ray Charles), no son más que un vago recuerdo que subsiste en las aceras con libros piratas y en los videos sin derechos de autor que se divulgan en YouTube. Del mismo modo poco podemos hacer para reivindicar a esa generación que además de andar en la carretera?En la carretera?vagabundeaba entre fronteras y vagones de trenes en busca del dharma como el que nunca alcanzó a asir Kerouac ni ninguno de los de la Generación Beat, como sí lo hizo Siddhartha con una simple sonrisa en el rostro.

Se avecina entonces el tiempo de una nueva contracultura, pues ya perecieron hasta los profetas que le cantaban a un futuro relativista en el que nada se puede medir, en el que ?La ventisca del mundo/ Ha cruzado el umbral /And it?s overturned / The order of the soul? como lo hacía Leonard Cohen con sombrero bien puesto y el micrófono en mano. Todo indica que al haber sobrepasado el umbral de la historia y el progreso, ese umbral del que hablaba el filósofo y sacerdote Iván Illich en los setenta al referirse a las instituciones (la sociedad que debe ser desescolarizada y la medicina que fácilmente puede tornarse iatrogénica), nos vemos incapaces de operar con mayor espontaneidad, sin pretensión alguna, rindiéndole cuentas a la academia, a los expertos y a la ciencia como dogma. Todo esto mientras nos mostramos resilientes, empoderados e inclusivos?siendo en realidad nada más que políticamente correctos y arrodillados ante la tecnocracia que ha trascendido el umbral del progreso para volverse contraproducente, como también lo advirtió Ivan Illich.

Por eso hoy veamos a estos íconos ya envejecidos abogando por coartar los derechos civiles. Siendo este el caso de Noam Chomsky, quien luego de décadas de obra dedicada a hablar del consenso manufacturado, aparece reclamando la exclusión de minorías enteras de la población por no estar vacunados y exigiendo que se remuevan a sí mismos de la sociedad. No titubea al dejarse llevar por el cardumen y los medios que insisten en que estos individuos son un peligro para la sociedad normalizada, percibiéndolos cual degenerados y viciados, incapaces de ajustarse a la norma.

Es así como en lugar de abogar por la educación gratuita y universal y la salud como un derecho mas no como un mandato, el progresismo flirtea con el biopoder. Sus representantes ruegan por el cierre de escuelas y universidades para que en su lugar el estado se encargue de enviarnos tapabocas N95 por correo a casa para cubrir rostros y expresiones, como lo solicita Bernie Sanders, líder del progresismo estadounidense. Por tal razón estos íconos envejecidos?sus cuerpos trajinados luego de décadas de una contracultura que hoy día hace de la utopía una distopía biopolítica?no lo pensarán dos veces en dejar sin empleo a madres cabeza de familia que trabajan en restaurantes, peluquerías y negocios propios al solicitar el cierre de establecimientos. Lo permitirán en aras de disminuir los casos, casi como haciendo la danza de lluvia para así preservar su propia vida, abandonando a estas mujeres a su suerte mientras sus hijos pretendan aprender una que otra lección en línea cual servicio de chat y transmisión.

Estos íconos independientes y progresistas sacan decretos de la manga para que, de la manera más inclusiva, tengamos que salir por turnos?mujeres un día, hombres el otro?y así cumplir con el decreto de pico y género como el que logró imponer la alcaldesa de Bogotá, Claudia López, en 2020. No olvidemos que en medio de todo este puritanismo sanitario, hoy día obligan a jóvenes en sus veintes y treintas a portar aplicaciones con certificado vacunal a la vez que prescinden del trabajo de visitar barrios y fincas en zonas rurales ofreciendo la vacuna. Prefieren convertir a esta gran herramienta médica en fortín político e ideológico, casi como un instrumento para el bautismo laico. En otras palabras, nos imponen mandatos y decretos antes que brindarnos recursos e información con transparencia.

Es por ende que vemos a intelectuales como Carolina Sanín?bien letrada en La Ilíada, en la que la peste anuncia la guerra que se avecina entre aqueos y troyanos? hoy pretender hacer de la enfermedad contagiosa una bandera de la superioridad moral, como aparece en su trino en el que le ordena a los empleados de una droguería que tragaban y se chupaban los dedos sin tapabocas a que se lo pongan. Claro está, individuos como Sanín no tendrán inconveniente alguno en ingresar a un restaurante donde además de enseñar el carné vacunal en la entrada harán su orden a través de un menú con QR desde su smartphone y se sentarán a charlar con los de su misma casta intelectual sobre el devenir de la nación mientras comen con rostros desnudos pero plenos de virtud. Y, el mesero, representante de la clase trabajadora enmascarada, habrá de atenderlos a una distancia prudente y con un N95 bien ajustado al rostro.

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Es entonces que se avecina una nueva contracultura, una que venga acompañada de su propia música, su propia literatura y prensa, pero también de su propio arte, ojalá contestatario y callejero, como se divulga en los alrededores de la Universidad de la Florida, donde aparecen grafitis con los mensajes ?No mask? y ?Covid1984?, anunciando una ruptura con el aparato bio-médico de vigilancia que nos relega a la simple condición biológica, cuya vida debe ser protegida a toda costa?aun en cuanto esto implique la desintegración del colectivo. Así también se vislumbra en las manifestaciones alrededor del mundo, en las que se exige que no se convierta esta o demás intervenciones médicas en excusa para despedir y aplastar a la clase trabajadora; entre estas manifestaciones, las de los trabajadores de la salud en Inglaterra y la de la larga flota de camioneros en Canadá que al estar compuestos por individuos sin títulos universitarios, conocimiento científico y rednecks incultos, se les señala de fascistas.

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